Искусственный отбор

Искусственный отбор

Одним из самых ранних способов использования полимерных материалов в искусстве стала графическая техника линогравюра, или гравюра на линолеуме. Этот способ высокой печати появился в начале ХХ века.

Существует версия, что впервые линолеум, изобретенный как напольное покрытие еще в 1860-е, был использован для печати в 1905 году немецкими художниками-экспрессионистами из группы «Мост» (Die Brücke), которым требовалось напечатать плакаты большого формата, а размер спила дерева для этих целей был мал. Именно с ксилографией – гравюрой на дереве – линогравюра схожа по своему принципу: при помощи стамесок различного размера перенесенное с кальки изображение вырезается на куске линолеума, затем на выпуклую поверхность валиком накатывается краска, после чего изображение отпечатывается на бумаге. В итоге рисунок имеет черный фон и белый штрих. Резкие и выразительные контрасты черного и белого, отличающие выполненные в этой технике произведения, а также относительная простота исполнения (линолеум – мягкий и податливый материал) сделали линогравюру одним из самых популярных приемов печати. Его использовали многие мастера, включая Анри Матисса, Пабло Пикассо, мексиканских художников Леопольдо Мендеса, Альберто Бельтрана. Среди русских графиков к линогравюре прибегали Анна Остроумова-Лебедева, Дмитрий Митрохин, Владимир Фаворский и другие. Нужно заметить, что линогравюра активно используется и сегодня.

Еще одним полимерным продуктом, родившим в изобразительном искусстве новую технику, стала акриловая краска. Она появилась в результате того, что акриловые смолистые вещества, открытые в Германии в начале ХХ столетия и разработанные в 1920-х в США, стали разводить органическими растворителями. В конце 1940-х в Соединенных Штатах Америки началось массовое производство первых акриловых красок – так новый художественный материал вышел на рынок и довольно быстро завоевал симпатию благодаря своим широким живописным и пластическим возможностям.

Акрил быстро высыхает, не образует трещин и не требует после завершения работы специального покрытия лаками или другими закрепителями, что сделало его серьезным конкурентом традиционному маслу. В зависимости от художественных задач использовать акриловую краску можно и в очень жидком, и в густом состоянии, кроме того, варьироваться может и основа для живописи. Может использоваться как холст и другие тканевые поверхности, так и стекло, керамика, дерево и металл. Особенность акрила в потемнении после высыхания, но она не смутила художников, начавших ее активно использовать. Почитателями акрила среди прочих стали американцы Морис Луис, Фрэнк Стелла, поп-артисты Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол. Поп-арт, сфокусировавшийся на специфике массовой культуры с ее кричащей рекламой, красочной полиграфией и неоновым сиянием вывесок, нашел в ярких и насыщенных акриловых красках надежных союзников. И не случайно, что представители этого же направления в искусстве 1960-х–1970-х первыми начали использовать в своих произведениях другие полимеры: пластиковая повседневность рядовых американцев вошла в произведения художников, осмыслявших реалии общества потребления.


Пластик как неизбежность в искусстве

Знаменитый коллаж американского художника Тома Вессельмана «В ванной №3» (Bath Tube Collage # 3), созданный в 1963 году, изображает фигуру женщины, обтирающейся полотенцем в ванной комнате. Коллаж включает в себя не только фигуру героини, но и другие типичные атрибуты пространства: дверь с прикрепленной к ней перекладиной для полотенца (и висящим на ней настоящим полотенцем), ножной коврик и сделанные из полимеров душевую шторку и корзину для грязного белья. Коллаж выполнен в натуральную величину: и дверь, и фрагмент самой ванны такие же, как в квартирах того времени, а корзина и шторка – вообще реальные предметы повседневного обихода. «Позволять вещам оставаться именно такими, какие они есть, – это совершенно в духе поп-арта», – писал Энди Уорхол.

Художники вдохновлялись новым невероятно богатым предметным миром Америки, получившим такое разнообразие во многом благодаря полимерам. Вещи и их власть над людьми становились ключевым мотивом поп-арта, который одновременно превращался и в манифест капиталистического потребления, и в его критика.

Еще один классик поп-арта Клас Ольденбург в 1960-е создавал арт-объекты, «притворяющиеся» продуктами. В 1962 году появились его большие мягкие скульптуры в виде моркови (Floor Cone), гамбургера (Floor Burger) или куска торта (Floor Cake), сделанные из латекса и других полимеров. И хотя они выглядят очень неаппетитно, словно ставя под вопрос удовольствие, которое мы привыкли получать от пищи, заставляют вспомнить другие слова Уорхола: «Никогда бы не стал жить там, где нельзя проехаться на машине и встретить по пути ресторанчик для автомобилистов, гигантские трубочки мороженого, ходячие хот-доги и мерцающие вывески мотелей!» Мешковатые «пищевые» скульптуры Ольденбурга в большей степени не про еду, а про расцветшую в то время объектную рекламу и про то, как она изменила визуальное восприятие людей.

На том, что американцы имели на своих столах к завтраку, обеду и ужину, Ольденбург сосредоточился в серии «Выборка фальшивой еды» (False Food Selection), которую он создал в 1966-ом. Деревянные и пластиковые ящички, иногда напоминающие переносные пищевые боксы, наполнены пластиковыми овощами, фруктами, яйцами, беконом, конфетами, печеньем и другими «лакомствами». Они правдиво отражают разнообразие содержимого обывательских холодильников, забавляют своим сходством с натуральными прототипами и одновременно обесценивают их своей поддельностью.

С 1970-х Клас Ольденбург начал художественно осваивать городскую среду, заполняя ее своими гигантскими скульптурами, сделанными, разумеется, с использованием полимеров, во многом определив, таким образом, принципы работы с общественными пространствами. Эти принципы для многих паблик-арт художников стали позже хрестоматийными.

Знаковым произведением стали и «Серебряные облака» (Silver Clouds) Уорхола. Изначальная идея художника была в создании подвижных легких баллонов. Ученый Билли Клювер, к которому Уорхол обратился с просьбой найти возможность сделать такие баллоны, вспоминал: «Мы кое-что подсчитали и протестировали и решили, что создать баллоны небольшими невозможно из-за веса батарей, ламп и прочего. Между тем Гарольд Годжес нашел материал, который был высоко герметичным для гелия и легко поддавался термосвариванию. Сделанный фирмой 3М, он назывался «скотчпэк» и, как нам сказали, использовался армией для заворачивания сэндвичей... Мы сообщили Энди, что мы не можем сделать легкие баллоны, но показали ему материал, который нашли. Когда Энди увидел его, он сказал: "Давайте сделаем облака"». Так появились знаменитые серебристые уорхоловские облака, или, как он еще их называл, подушки. Они были впервые показаны в 1966-ом в галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке, где они свободно дрейфовали под потолком, словно расслабляясь на одной из поп-вечеринок на «Фабрике». Так полимер скотчпэк позволил воплотить Энди Уорхолу свою идею в жизнь. Screenshot_29.jpg

Пластик в творческой борьбе за экологию

Пластиковые облака Уорхола не остались единственными в своем роде в истории искусства. Много облаков, в том числе и из полимерных материалов, было создано. В этом ряду инсталляция художника Джейсона Климоски «Голова в облаках» (Head in the Clouds), которую можно было увидеть летом 2013 года на острове Говернорс (Губернаторский остров) в Нью-Йорке. Огромный белый скульптурный павильон в виде облака был создан из 53 780 пластиковых бутылок и канистр из-под воды и молока. Их число не случайно: оно обозначает количество выбрасываемых пластиковых отходов в Нью-Йорке за один час. Очевидно, название «Голова в облаках» павильон получил, поскольку был сконструирован таким образом, чтобы люди могли в него заходить и проводить там время, погружая свои головы в «облака». Одновременно инсталляция – это своеобразный призыв к горожанам перестать «витать в облаках» легкомыслия и задуматься о количестве пластикового мусора вокруг.

Сильный экологический подтекст имеет инсталляция испанской арт-группы Luzinterruptus под названием «Пластиковый мусор, охраняющий музей» (Plastic garbage guarding the museum), которую художники разместили в 2012 году в швейцарском городе Винтертур. Две большие корзины, наполненные надутыми и светящимися изнутри пластиковыми магазинными пакетами, как охранники, расположились по обе стороны от входа в музей современного искусства Gewerbemuseum. Инсталляция стала частью проходившей в музее выставки под названием «Oh, Plasticksack!», судя по всему, сфокусированной на проблеме пластикового мусора. Издалека корзины имели довольно праздничный вид и походили на горы цветных воздушных шариков, однако вблизи можно было легко рассмотреть названия популярных брендов на пакетах, принесенных жителями города специально для создания этого произведения. «Пластиковый мусор, охраняющий музей» стал напоминанием о том, что рука об руку с радостью приобретения новых вещей, получаемой после покупки в фирменных мешках, идет увеличение производства полимерных продуктов, требующих ответственного отношения по части их утилизации.

Художественная ценность полимеров

Несмотря на остроту вопросов, связанных сегодня с переработкой использованных полимеров, многие художники выбирают пластик в качестве материала из-за его специфических характеристик, а не из-за желания акцентировать внимание на экологии. Для художника Вилде Джей Ролсена полиэтиленовые пакеты стали источником вдохновения благодаря своим пластическим свойствам, и только сформировав идею создавать из них пейзажи, автор придал своим работам и экологический смысл. Ролсен использует способность пакетов сохранять приданную им форму: он сминает их таким образом, чтобы они начали напоминать горные пещеры, устанавливает специальное освещение и делает снимки. Он использует цветные пакеты, которые сам собирает по городу, избавляя тем самым мегаполис от небольшой части мусора.

Известный современный чешский художник Давид Черны много работает с разными типами полимеров, создавая свои скульптуры. В 1993 году у него появилась серия пластиковых инсталляций размером приблизительно 2х2 м, представляющих собой увеличенные до человеческих размеров фигурки разных героев. Эти герои – Адам, Ева, рок-звезда, куратор, художник и другие – экспонируются в «несобранном» виде, поскольку отдельные части их фигур укреплены на пластиковые решетки ровно так же, как и детали детских игрушек, которые должны быть вырезаны из рамок и склеены между собой. Производители выпускают в виде таких развивающих конструкторов военную технику, автомобили и другие объекты, которые должны быть собраны и покрашены специальной краской, чтобы походить на реальные прототипы. Черны выбрал для своей пластиковой серии ролевые модели из художественного мира и мира массовой культуры, поскольку все они являются довольно стереотипными в человеческом сознании и поэтому могут быть без труда воспроизведены. Именно наличие устойчивых шаблонов восприятия этих героев и стало предметом авторской иронии. Объекты художника демонстрируются как игрушки в магазине: в прозрачной пластиковой упаковке, закрепленной сверху условно картонной этикеткой с названием модели и ее изображением. Очевидно, что пластик в этом случае выбран концептуально, ведь вдохновившие художника реальные объекты изготавливаются из полимеров.

Русский художник Валерий Кошляков работает с простыми, «мусорными» материалами, среди которых нередко встречается обычный упаковочный скотч. О своем выборе он говорит так: «Мне легче работать с бедными материалами. Я постоянно сталкиваюсь с тем, что надо делать быстро, коротко. Приглашают, дают залы, пять дней на монтаж. За четыре-пять дней надо покрывать большие пространства и высказываться по максимуму. Я делаю, а потом все выбрасываю: негде хранить. Это и есть требования времени». Кошляков создает огромные монументальные панно на кусках гофрокартона, а порой и просто на стене. Для выставки «Русское бедное», проходившей в Перми в 2008 году, он создал образ величественного и строгого храма с помощью коричневого скотча и картона, причем куски клейкой ленты выглядели как изящные штрихи, сформировавшие все произведение: «Мусор под его кистью превращается в объект рефлексии и становится бесценным», - сказано о его работах в каталоге выставки.

Сергей Шеховцов, еще один современный российский художник, предпочитает для своих скульптур также бытовой полимер – поролон. Из него он создает одиночные скульптуры и группы объектов, осмысливая в них разные аспекты повседневности. «Для меня поролон – это просто материал, из которого я могу делать большие вещи, большие инсталляции и проекты. [...] Посредством материала объект может изменяться и мутировать в современном пространстве. [...] Мутирует само пространство, которое нас окружает, – наступает момент, когда все вдруг раздувается, меняется и ты не понимаешь, правда это или обман», - говорит о своем искусстве Шеховцов. Его поролоновые «Собаки города N», «Голуби», «Колонна» и другие объекты тоже являются некими «обманками», потому что, часто будучи окрашенными, они, как будто, притворяются другими материалами.

Новое течение в искусстве – это 3D-печать, для которой в качестве сырья чаще всего используются полимеры. 3D-принтеры получают цифровую модель как образец и создают слой за слоем реальный объект. Молодой нью-йоркский художник Эшли Зелински (Ashley Zelinskie) занимается 3D-искусством не потому, что это тренд, а потому, что смысл ее работ тесно связан с осмыслением цифровой реальности. Ее серия 3D-объектов «Реверсивная абстракция» (Reverse Abstraction) посвящена человеческому и компьютерному восприятию искусства. «Серия "Реверсивная абстракция" делает попытку преодолеть разрыв путем конструирования традиционных объектов в двойственной форме: как классический объект и как шестнадцатеричный и бинарный коды, которые их представляют. Таким образом, абстракция становится материальной, значения для человека и для компьютера объединяются и раздвоенность преодолевается», – следует из описания серии на официальном сайте Зелински. Она создает из пластика 3D-объекты очень незамысловатой геометрической формы, плоскости которых «вытканы» визуализированным цифровым кодом – так оба языка, компьютерный и человеческий, соединяются и делают произведение искусства понятным и для машины, и для людей.

Огромное количество произведений искусства из пластика или рожденных с использованием различных полимеров не может не заботить хранителей и реставраторов по всему миру. К примеру, проведенная приблизительно в конце 1990-х-начале 2000-х инвентаризация в запасниках Музея Виктории и Альберта в Лондоне показала наличие более 6000 полимеросодержащих объектов, 12% которых остро нуждалось в срочной консервации.

Серьезность проблемы сохранения и консервации в музеях произведений из полимеров стала причиной появления в 2008 году специального «Проекта по сохранению пластиковых артефактов в музейных коллекциях». Оригинальное название инициативы – «Preservation Of Plastic ARTefacts in museum collections», или сокращенно Popart, что явно отсылает нас к эпохе, когда полимеры стали впервые очень популярны в искусстве.

Проект был основан Еврокомиссией и включает в себя 13 институций-партнеров из 8 стран. В деятельности Popart принимают участие ученые, реставраторы и представители других специальностей, имеющих отношение к проблематике.

Основные направления работы проекта – это:
а) идентификация пластика в музейных коллекциях;
б) проверка коллекций пластика;
в) оценка степени разрушения полимерных произведений;
г) применение мер по консервации.

Значение этого проекта для музейного сообщества сложно переоценить, и, безусловно, в такой работе нуждаются не только европейские и американские музеи, но и все институции, имеющие в своих собраниях полимерные художественные объекты. Работа Popart, помимо прочего, доказывает, что полимерные материалы прочно вошли в искусство и творческие практики сегодня уже невозможно себе представить без применения пластика.


почитать еще
Все на  подиум

Все на подиум

Симбиоз человека и технологий в контексте современной моды стал темой прошедшего в Нью-Йорке ежегодного Бала Института костюма (Met Gala). Некоторые звезды восприняли все буквально и явились в Метрополитен-музей в футуристических нарядах а-ля «Звездные войны». Из фантазий киношников буквально на глазах рождается мода будущего.

читать полностью
Осень в нефтехимии

Осень в нефтехимии

На улице мокро и холодно – время осеннего гардероба, в котором с каждым годом все больше одежды, обуви и аксессуаров из полимеров. И если раньше резиновые сапоги и дождевики носили только грибники, то теперь их выбирают даже столичные модники.

читать полностью
Главное – устойчивость

Главное – устойчивость

Археолог Эрик Тринкаус из Университета Вашингтона в Сент-Луисе на основании анализа останков древних людей предположил, что первая обувь могла появиться около 30 тыс. лет назад. Были это простейшие сандалии – возможно, лишь кожаная подошва с ремешками. С тех пор, конечно, все сильно изменилось. Но подошва все еще одна из самых важных частей обуви, особенно зимой, когда под ногами снег и лед. «Нефтехимия РФ» разбиралась, как делают нескользкую подошву для теплых непромокающих сапог.

читать полностью